MANDY (2018) / Panos Cosmatos

Thriller

MANDY (2018) / Panos Cosmatos

  10/02/2018

Año 1983, Red Miller (Nicolas Cage) se ha enamorado perdidamente de Mandy Bloom (Andrea Riseborough), pero la idílica vida que ha construido con ella es destrozada de manera cruenta por la irrupción del líder de una secta religiosa que intenta poseer el cuerpo y el alma de la mujer atacando su hogar. Red convertido en un hombre perturbado tras el ataque solo vive para una cosa: cazar a esos maníacos y vengarse.

'Mandy' es, por encima de cualquier otra consideración, una experiencia visual impactante.

No voy a extenderme en un análisis demasiado profundo sobre la nueva película de Panos Cosmatos protagonizada por Nicolas Cage, y no lo voy a hacer porque tengo la impresión de que una obra de las características de 'Mandy' está más bien para ser visionada antes que diseccionada, pues no en vano el experimento visual y narrativo llevado a cabo es básicamente barroco pero a la vez sencillo y directo, experimental dentro de parámetros no muy comunes en el cine de terror actual y enajenado en muchos de sus momentos, es por lo tanto un producto que coleccionara criticas positivas y negativas por un igual, sin posibilidad de demasiada ductilidad en las opiniones creadas por su visionado, ya que lo especial del juego propuesto por el director y el protagonista no es la historia que nos cuenta (mil veces vista) sino en el bonito papel de regalo con el que está envuelta.

Panos Cosmatos nos ofrece, al igual que en su primera película 'Beyond the Black Rainbow (2010)', una obra repleta de influencias o elementos del cine de género de los años '70 y '80, que han sido perfectamente asimilados (no recreados) para crear un particular universo donde el director puede expresarse libremente, de esta manera la película adquiere premeditadamente una paleta cromática (en muchos casos sobresaturada) cercana al delirio, bien salpimentada con una banda sonora electrónica que crea una especial atmósfera malsana, que va creciendo conforme avance el metraje hasta desembocar en la última parte del film en una orgia de violencia descerebrada, sangrienta y caótica que coincide con la total perdida de humanidad del protagonista principal.

Estos elementos tan especiales son los que dotan de una considerable personalidad a la película, pero que paralelamente también puede dar muchas balas a los detractores de la misma, y es que la ausencia de un guión consistente y de una cronología más nítida puede molestar a más de uno.

Respecto a la labor interpretativa poco a decir, Nicolas Cage se encuentra como pez en el agua con un personaje dual, que pasa de una relativa normalidad en su relación matrimonial, a una cruzada contra el mal envuelto en las alas de la locura y el frenesí más guiñolesco; Andrea Riseborough que interpreta a la mujer de Cage imprime bastante personalidad a su personaje y consigue crear un aura de misterio e inquietud alrededor del mismo, por último, pero no menos importante, tenemos a Linus Roache dando vida a Jeremiah Sand líder de la secta que convierte en un infierno la tranquila vida del protagonista, la verdad es que el trabajo realizado por el actor raya a gran altura, logrando un personaje totalmente desquiciado muy creíble.

Bueno ya acabo, personalmente 'Mandy' me ha gustado mucho y recomiendo su visionado a todo aficionado, pero tengo que avisar de que, como ya ha quedado claro, es un film muy especial que no contentara a todos, sea como sea es toda una experiencia visual.

Un saludo amigos/as de El Terror Tiene Forma.        

FICHA TÉCNICA
Título: MANDY (2018 / USA / 121' / Color)
Fecha de Estreno: 14/09/2018 (USA)
Director: Panos Cosmatos
Segunda Unidad: Baudouin du Bois / Celine Jacqmin / David Janssens
Productor: Nate Bolotin / Daniel Noah / Adrian Politowski / Josh C. Waller / Elijah Wood
Guión: Panos Cosmatos / Aaron Stewart-Ahn
Edición: Brett W. Bachman
Fotografía: Benjamin Loeb
Diseño de Producción: Hubert Pouille
Música: Jôhann Jôhannsson
Maquillaje: Daphnee Beaulieux / Oriane De Neve / Jacques-Olivier Molon / Erwan Simon
FX: Laureen-Joyce Centner / Eric De Wulf / Pieter Van Campenhout
      
FICHA ARTÍSTICA

Nicolas Cage, Andrea Riseborough, Linus Roache, Bill Duke, Richard Brake, Clément Baronnet, Ned Dennehy, Ivailo Dimitrov, Olwen Fouéré, Alexis Julemont, Paul Painter, Line Pillet, Hayley Saywell.      

Enter the dangerous mind (2013)

Thriller

Enter the dangerous mind (2013)

  9/18/2018

Enter the dangerous mind es una película del año 2013 dirigida por Youssef Delara y Victor Teran; con guión de uno de los directores (V. Teran) la película nos cuenta la vida de un músico con un pasado traumático, que utiliza sus composiciones electrónicas para tratar de controlar sus demonios internos. Al conocer a una hermosa chica, enamorarse de ella y tener una breve e insatisfactoria relación que desemboca en una amarga ruptura, los diques de contención mentales del muchacho se rompen generando un estremecedor mal viaje de trágicas consecuencias.  

Como podéis ver por el argumento, el film se desarrolla en los parámetros de un thriller al uso, pero que por obra y gracia de los responsables del mismo se convierte en una pesadilla (en el buen sentido cinematográfico), donde la timidez e inestabilidad del protagonista se funde con la densa y machacona música electrónica, fabricando un crisol de sensaciones e imágenes incomodas y una atmósfera irreal donde la historia adquiere por momentos límites verdaderamente brillantes.

El film no engaña ni pretende engañar en sus planteamientos estéticos, se juega con la ambientación, se persigue la incomodidad y persiste durante todo el metraje la sensación de que sus directores quieren ir un paso por delante del espectador, arriesgándose a tejer una maraña de imágenes inconexas que delimiten y conformen la personalidad del protagonista para desarrollar la historia general, no sorprende lo que te cuentan, pues la historia es lineal y no esconde sorpresas para los aficionados ya veteranos, si no cómo lo cuentan y lo reflejan en imágenes; el ritmo de la película es como una montaña rusa o como una plasmación visual del gráfico de la corriente alterna, tiene momentos álgidos, casi frenéticos, pero también momentos más narcolépticos y enfermizos donde la realidad y la irrealidad se funden de manera bastante acertada. Es cierto que la película puede ser acusada de artística o superficial, también que no todo el metraje se aguanta igual de bien y, para ser sinceros, se puede asegurar que el primer tercio y la parte final son sólidos e impactantes, pero que la parte central donde se desarrolla todo el meollo y se sientan las bases para la explosión emocional del chico es muy previsible e incluso algo repetitiva. Sin embargo el esfuerzo realizado para plasmar este particular descenso a los infiernos de la locura tiene suficientes buenos momentos para llamar la atención de los aficionados, vamos que no es un diez pero que sí se puede recomendar sin pestañear.

Las actuaciones de los actores están bien definidas, pudiendo resaltar a Jake Hoffman que consigue hacer bastante creíble al protagonista sobre todo por la expresividad en su mirada, por momentos desesperada y enloquecida, y que logra gracias a esa cualidad sacar adelante a su personaje; por otro lado y como curiosidad destacaremos la presencia, casi testimonial, de Scott Bakula que ofrece sólidos contrapuntos en momentos puntuales del film.

En definitiva, una buena película de terror psicológico a la cual le falta una vuelta de tuerca y un punto más de cocción para ser completamente redonda, pero que no defraudará a los espectadores, pues aquí por lo menos hay cierto riesgo argumental / estético y se huye de la aburrida linealidad que en los últimos años está arruinando más de una producción de género. Recomendable.

Saludos amigos/as de El Terror Tiene Forma, que paséis un buen domingo.   

FICHA TÉCNICA
Título: ENTER THE DANGEROUS MIND (2013 / USA / 88′ / Color)
Fecha de Estreno: 06/02/2015
Director: Youssef Delara / Victor Teran
Segunda Unidad: Ian J. Putnam / Chandra M. Alexander / David James McKenzie
Productor: Ryland Aldrich / Amir Debra / Youssef Delara / Amir Delara / Victor Teran
Guión: Victor Teran
Edición: Youssef Delara / John Wesley Whitton
Fotografía: Ben Kufrin
Dirección Artística: Jennifer Moller
Diseño de Producción: Seth Reed
Música: Reza Safinia
Maquillaje: Bianca Appice / Alexis Williams
FX: Bianca Appice
Efectos Visuales: James Thayer
FICHA ARTÍSTICA
Scott Bakula, Jake Hoffman, Thomas Dekker, Nikki Reed, Ruby Wendell, Daniel Edward Mora, Gina Rodriguez, Joseph Julian Soria, Nadine Wendell, John Jelks, Skyler Brigmann, William Leon, Jenn Liu, Andrew Bowser.

HEREDITARY, una maldición heredada

Terror Sobrenatural

HEREDITARY, una maldición heredada

  9/08/2018

‘Hereditary’, es una película con aciertos y errores que no obstante cualquier aficionado debería visionar.

Para unos una joya, para otros un peñazo insoportable, lo que está claro amigos/as de El Terror Tiene Forma es que ‘Hereditary’ no deja indiferente a nadie, confirmando, de paso, que el cine independiente de terror está en auge pero que no siempre puede cumplir con las exigencias del muy necesitado ‘hype’ mensual; la obra tiene muchas virtudes e igual cantidad de desajustes siendo el resultado final bastante agridulce, pero como siempre, antes de entrar en materia, nada mejor que un pequeño esbozo del argumento para entrar en materia:

Sinopsis: Cuando muere Ellen, la matriarca de la familia Graham, la familia de su hija comienza a desentrañar secretos crípticos y cada vez más escalofriantes sobre su ascendencia. Cuanto más descubren, más se encuentran tratando de escapar del siniestro destino que parecen haber heredado.

‘Hereditary’ es una película compleja, sutil y, por momentos inquietante, que se mueve muy cómodamente entre los entresijos del ‘terror psicológico’ y el drama más descarnado, aderezado todo ello con presencias sobrenaturales y algún que otro susto de manual, para ofrecernos un buen espectáculo dentro de los límites no escritos del cine de terror actual; me explico la película no inventa nada, recoge sin pudor todo tipo de influencias, utiliza situaciones / elementos mil veces vistos y toma como referentes más próximos películas como ‘The Witch’, ‘Lords of Salem’, ‘Starry Eyes’ o ‘Jug Face’, es por lo tanto una película en la cual su director (Ari Aster, en su primera incursión en el largometraje) se preocupa, con un ritmo pausado casi letárgico en algunos momentos, de crear unas atmósferas densas e inquietantes así como de construir personajes sólidos (todos rayan a gran altura a excepción de Gabriel Byrne) que ayuden a consolidar la historia que nos está explicando, estamos por lo tanto ante una película de autor, personal y por momentos inclasificable.

Por suerte el director no se limita a esa estructura ‘heredada’ creando una obra hermética con el arrojo y la alegría natural de un debutante y el (sorprendente) aplomo de un veterano; la película se sustenta en dos ejes fundamentales: la familia (disfuncional, extraña, psicológicamente inestable) y la maldición heredada que pesa sobre la misma, alrededor de estos ejes se construye toda la historia jugando en todo momento con las sensaciones, la inquietud y la insania. Todo ello está apoyado en una soberbia fotografía a cargo de Pawel Pogorzelski y una adecuada BS que nos ofrecen un resultado a priori muy apetecible y visualmente correcto.



Lamentablemente la película no es redonda, la increíble endeblez del guión (la estructura aguanta hasta más o menos la mitad del film), la superposición constante de demasiados ‘tics’ formales del cine de terror, la inclusión de muchos momentos insustanciales, la gran duración (127 minutos) para una historia que se podría contar en 90′ y un lastimoso final, lastran el resultado final dejando la sensación inequívoca en el aficionado de que no acaban de visionar una película de terror, sino más bien un drama de tintes esquizofrénicos sobre una familia con graves problemas.
Por lo anteriormente explicado ‘Hereditary’ deja un sabor agridulce en la boca, por un lado puntuales aciertos y un buen estilo visual, por otro una grave falta de guión y de un tono constante que permita afianzar lo que promete la primera parte del film, quedando en un producto vacio y algo artificial. Por todo ello puedo afirmar que, para mí, más que una alegre sorpresa ha sido una triste constatación de que el cine de terror sigue anclado en ‘tics’ demasiadas veces utilizados, y que la presumible etiqueta de ‘nuevo cine de terror’ es en este caso demasiado holgada para el producto ofrecido. Una lástima.
Saludos y que tengáis buen día.

FICHA TÉCNICA
Título: HEREDITARY (2018 / USA / 127′ / Color)
Otros Títulos: EL LEGADO DEL DIABLO (Argentina, México, Perú, Uruguay) / MONSTERINE DIABOLICA (Rumanía)
Fecha de Estreno: 8/06/2018 (USA)
Director: Ari Aster
Segunda Unidad: Marschelle Walker
Productor: Lars Knudsen / Buddly Patrick
Diseño de Producción: Grace Yun
Dirección Artística: Richard T. Olson
Guión: Ari Aster
Edición: Lucian Johnston / Jennifer Lame
Fotografía: Pawel Pogorzelski

Música: Colin Stetson
Maquillaje: Magdalena Buckowska / Kayla Dobilas / Chris Hanson / Bobbi Murphy / Abigail Steele
FX: Becky Roundy / Charles Roundy / Michael Roundy / Ryan Roundy
FICHA ARTÍSTICA
Alex Wolf, Toni Collette, Gabriel Byrne, Milly Shapiro, Christy Summerhays, Morgan Lund, Jake Brown, Mallory Bechtel, Harrison Nell, Heidi Méndez, Moises L. Tovar, Jarrod Phillips, Ann Dowd, Brock McKinney, Zachary Arthur, David Stanley, Briann Rachele, Bus Riley, Austin R. Grant, Gabriel Monroe Eckert.

THEY REMAIN, un tripi aburrido

Terror Sobrenatural

THEY REMAIN, un tripi aburrido

  8/21/2018

Hola amigos/as de El Terror Tiene Forma ya se han acabado las vacaciones y vuelvo por estos lares con los ánimos restaurados; la película protagonista del día de hoy se titula ‘They Remain’, que podría traducirse como ‘Permanecen’ título tan críptico como la película en sí y que será proyectada en Sitges 2018; ya os advierto desde un principio que es una seria candidata a la controversia y la discusión, instalándose por derecho propio en esa categoría de películas que se aman o se odian sin término medio, acumulando por lo tanto encendidos elogios o críticas destructivas según la sensibilidad y gustos del espectador. Como siempre y antes que nada la sinopsis para entrar en materia

Dos investigadores, solos en una agreste ubicación natural en la linde de un espeso bosque, tienen el encargo de reunir información sobre una misteriosa e invisible amenaza. Conforme van reuniendo pistas y se acercan a las respuestas la situación se vuelve más aterradora, pues parece que la amenaza también avanza hacia ellos envolviéndolos lentamente en una atmósfera de locura y desconfianza.

Basada en el relato corto ‘--30--’ de Laird Barron (escritor al que un día de estos le dedicaremos un merecido post) la película dirigida por Philip Gelatt (The Bleeding House, 2011), es por encima de cualquier otra consideración un experimento visual que pretende imbuir al espectador en un viaje alucinógeno donde el terror no solo no se enseña sino que se mantiene oculto e inexplicable durante todo el metraje. El aire onírico del paisaje natural, la criptica historia que nos va desgranando mediante esporádicos flashes, la tupida / tensa atmósfera que se crea alrededor de los personajes, el uso de abundantes trucos efectistas (colores repentinos, efectos visuales etc…) y la presencia invisible pero constante y ominosa del misterioso ente (o el mal en su concepto más etéreo), son elementos que en manos del director pretenden crear una película tensa de rollo minimalista, con la incertidumbre por bandera, pero que no consiguen en casi ningún momento cumplir con las expectativas creadas.
‘They Remain’ se inicia con un plano que ya deja muy claras las intenciones del director: unas cúpulas geodésicas situadas muy cerca de un tupido bosque, dos elementos contrarios en su esencia pero que pueden esconder diferentes estadios de suspense, inquietud y terror; por un lado la supuesta ‘normalidad’ de los científicos pronto se ve distorsionada por diferentes acontecimientos de carácter sobrenatural

que afectan a su profesionalidad y a sus relaciones cotidianas envolviéndolos en una pesadilla difícil de definir; por otro lado tenemos el bosque, de una belleza impresionante, es la perfecta definición de la naturaleza salvaje que esconde en su interior secretos no siempre agradables para el ser humano, ese bosque es el epicentro de todo el misterio ya que una pandilla de hippies hasta las trancas de LSD desarrolló un malévolo culto que parece ser el centro de todos los acontecimientos misteriosos.
Estos dos elementos tan dispares (naturaleza versus civilización) sustentan, ayudados por la tensa relación que mantienen los dos científicos, toda la película y, en un principio, mantienen el interés del espectador, pero el ritmo tan lento y la reiteración de situaciones cada vez más absurdas e inconexas logran que el poco interés acumulado se diluya rápidamente hasta llegar a una especie de anti-clímax final difícil de digerir.

Como resumen se puede decir que ‘They Remain’ es un experimento fallido, que tiene algunas virtudes y bastantes defectos, donde el espectador tiene y debe realizar un esfuerzo considerable para llegar al final, cosa bastante difícil teniendo en cuenta que su duración sobrepasa los 100 minutos (que pueden llegar a parecer 200) y, por último, comentar que la influencia Lovecraftiana que se ha mencionado en algunos artículos que he leído no deja de ser una mera anécdota cogida por los pelos, y que seguramente es más una extensión del relato original antes que un planteamiento cinematográfico consciente.
Bueno ya hemos llegado al final, un saludo y hasta mañana.
Buen día.

FICHA TÉCNICA
Título: THEY REMAIN ( 2018 / USA / 102′ / Color)
Otros Títulos: 30 (USA, título durante el rodaje)
Fecha de Estreno: 20/01/2018 (Panic Film Festival, USA)
Director: Philip Gelatt
Segunda Unidad: Darren M. Bartlett
Productor: Peter Askin/ Will Battersby
Diseño de Producción: Amorino Bortolin / Rayna Savrosa
Dirección Artística: Amorino Bortolin
Guión: Philip Gelatt
Basada en: ‘--30--’, relato corto del escritor Laird Barron
Fotografía: Sean Kirby
Maquillaje: Lisa Forst / Brandon Grether / Greg Pikulski / Jeremy Selenfriend / Brian Spears
Efectos Visuales: Brandon Sachs
FICHA ARTÍSTICA
William Jackson Harper, Rebecca Henderson

CLIMAX, Danzas Infernales según Gaspar Noé

Trailer

CLIMAX, Danzas Infernales según Gaspar Noé

  7/30/2018

Hola amigos/as de El Terror Tiene Forma, para el día de hoy os traigo el tercer post dedicado a algunas de las películas que podrán verse en el próximo Sitges 2018; hoy le toca el turno a ‘Climax’ la nueva propuesta de Gaspar Noé (Irreversible, 2002 / Enter the Void, 2009) que como casi siempre nos presenta una historia perturbadora y provocativa. En este caso el film se basa en hechos reales, convenientemente deformados, para crear una sórdida historia de terror alrededor de unos jóvenes bailarines y una fiesta que se convierte en una ida de olla tremenda, donde la psicodelia, el sexo y la violencia toman un protagonismo total.
El poderío visual del film es impactante, la banda sonora contundente (de Daft Punk a Rolling Stones pasando por Giorgio Moroder) y como siempre Noé intenta reventar los límites establecidos.
En fin, ganas tengo de visionarla, pero por el momento nos tendremos que conformar con el tráiler, como siempre añado ficha técnica y artística.
Saludos y buen día!

Sinopsis: A mediados de los ‘90, 20 bailarines urbanos se reúnen para un ensayo de tres días en un internado clausurado ubicado en el corazón de un bosque. Al finalizar el ensayo deciden hacer una gran fiesta y para animarla un ‘poquito’ alguien decide realizar un coctel de alcohol y LSD, rápidamente la diversión es sustituida por la locura, la neurosis y la paranoia, sus miedos son amplificados y deformados mientras la música electrónica con su ritmo endiablado e hipnótico crea una catarsis general, algunos están en el paraíso pero la mayoría se sumergen en el infierno….

FICHA TÉCNICA
Título: CLIMAX (2018 / FRANCIA / 98′ / Color)
Fecha de Estreno: 13/05/2018
Director: Gaspar Noé
Segunda Unidad: Claire Corbetta-Doll / Kalidou El-Hadji / Pierre Lagardère
Productor: Brahim Chioua / Vincent Maraval / Richard Grandpierre / Edouard Well
Diseño de Producción: Jean Rabasse
Guión: Gaspar Noé
Edición: Denis Bedlow / Gaspar Noé
Fotografía: Benoȋt Debie
Departamento Artístico: Thierry Poulet / Benjamin Stierle
Efectos Visuales: Rodolphe Chabrier / Mac Guff Line
FICHA ARTÍSTICA
Sofia Boutella, Romain Guillermic, Souheila Yacoub, Kiddy Smile, Claude Gajan Maull, Giselle Palmer, Taylor Kastle, Thea Carla Schott, Sharleen Temple, Lea Vlamos, Alaia Alsafir, Kendall Mugler, Lakdhar Dridi, Adrien Sissoko, Mamadou Bathily, Ashley Biscette, Sarah Belala.

Starry Eyes (2014), el precio de la fama

Thriller

Starry Eyes (2014), el precio de la fama

  7/02/2018

"una película brillante que merece ser visionada y disfrutada sin excusas"

No es ‘Starry Eyes’ una película que pueda gustar por igual a todos los aficionados al género, el carácter intimista y su perturbadora propuesta son incómodas, provocando que días después de su visionado las imágenes y sensaciones que transmite sigan arraigadas como una mala hierba en la mente del espectador.

Pero vayamos por partes, primero el argumento:

Sarah (Alex Essoe) está decidida a conseguir el éxito convirtiéndose en una estrella de Hollywood, para lograr este sueño acude a todas las audiciones que se le presentan aunque los resultados no son muy alentadores. Un buen día responde a un misterioso anuncio y acude a la entrevista, encontrándose en medio de una audición bastante bizarra, donde se le promete que será la protagonista de una película de culto que la catapultará a la fama inmediatamente. Pocos días después recibe una llamada para que acuda a una reunión con el productor del film, allí descubrirá que la fama tienen un precio y que ella deberá pagarlo.

La fábrica de sueños y pesadillas que es Hollywood ha sido utilizado en incontables producciones a lo largo de las décadas para ofrecer diferentes puntos de vista de la dualidad éxito-fama, y de las consecuencias físicas / morales que ello conlleva; la película que hoy nos ocupa parte de estas premisas pero centrándose en el lado oscuro de la meca del cine, para conseguir este objetivo, los responsables del proyecto (Kevin Kölsch y Dennis Widmyer) utilizan elementos perfectamente reconocibles en las películas de género y lo envuelven todo en una trama con secta satánica por en medio. Todo está perfectamente encajado en el guión para mostrar sin tapujos todo lo vil y malvado que el ser humano puede llegar a ser con tal de cumplir sus objetivos. 

El entorno que envuelve a la protagonista es una perfecta muestra de lo dicho: una pandilla de patanes sin talento que se pasan el día diciendo que van a rodar una obra maestra pero que en realidad solo están en el tema para ver si pillan cacho; una pandilla de mujeres con ínfulas de actriz que van de amigas pero que sólo pretenden pisotear los sueños y el talento que posee Sarah y por último la sordidez del trabajo que le permite sobrevivir, convierten la vida diaria de la protagonista en una pesadilla en la cual la ilusión de triunfar es la única luz positiva que la mantiene en lucha. Por otro lado tenemos la misteriosa productora, el productor y su oferta que son, a la vez, luz y oscuridad, pero que ofrecen la puerta de salida del desesperante callejón existencial en el que vive. Por supuesto esta oportunidad supone un sacrificio y también una resurrección con la máxima que dice: cada decisión tiene sus consecuencias.

‘Starry Eyes’ es un film de tono intimista que va en continuo crescendo, que deja en su recorrido muchas aristas cortantes que invitan a la reflexión y resuelve ciertas encrucijadas argumentales con alguna escena gore subida de tono, pero lo que prima sobre todo es la atmósfera opresiva y perturbadora que consigue crear grandes dosis de desasosiego en el aficionado y, como he mencionado antes, se enquistan en la mente de manera oblicua pero contundente. La dupla de realizadores hace un trabajo brillante y en ocasiones arriesgado, llegando al punto de que determinadas escenas y su manera de reflejarlas pueden recordar al más retorcido David Cronenberg; luces y sombras de una película brillante que merece ser visionada y disfrutada sin excusas.

Saludos y que paséis un buen día.

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FICHA TÉCNICA
Título: STARRY EYES (2014 / USA-BÉLGICA / 98′ / Color)
Otros Títulos: A QUALQUER PREÇO (Portugal) / OLHOS DE ESTRELA (Brasil)
Fecha de Estreno: 14/11/2014 (USA)
Director: Kevin Kolsch / Dennis Widmyer
Segunda Unidad: Clifford Breakfield / Dave Casper
Productor: Tracis Stevens
Diseño de Producción: Melissa Jusufi
Guión: Kevin Kolsch / Dennis Widmyer
Edición: Brody Gusar / Dennis Widmyer
Fotografía: Adam Bricker
Dirección Artística: Jeremy Jonathan White / Chloe Knapp
Música: Jonathan Snipes
Maquillaje: Marina Coria / Jill Fogel / Katie Middleton / Rosa Aguilar / Teresa Aguilera / Analyn Cruz / Rachel Kooyman / Hugo Villasenor
FX: Matt Falletta
Efectos Visuales: Shaina Holmes
FICHA ARTÍSTICA
Alex Essoe, Amanda Fuller, Noah Segan, Fabianne Therese, Shane Coffey, Natalie Castillo, Pat Healy, Nick Simmons, Maria Olsen, Marc Senter, Louis Dezseran, Danny Minnick, Spencer Baik, Denis Bolotski, Marcus Bradford, Leonel Claude, Bridget Colella, Burt Culver, Amanda Dollinger, Brent Deibel, Brian James Fitzpatrick, Elissa Dowling, Emilie Germain, Patrice Gibbs, Danika Gould, Trent Haaga, Bradley Hawkins, Emma Julia Jacobs.

LOS DEMONIOS DE LA MENTE / DEMONS OF THE MIND (1972)

Terror Psicológico

LOS DEMONIOS DE LA MENTE / DEMONS OF THE MIND (1972)

  6/18/2018

Hoy le dedicamos la portada a una semi desconocida película producida por Hammer en el año 1972; los setenta no fueron una buena década para la productora británica, desgastados por el éxito y acosados por los cambios en los gustos del público, la Hammer entrego, con rumbo errático, una serie de films que intentaban combinar sus ambientaciones góticas 'marca de la casa' con un prisma nuevo más acorde con los tiempos que corrían. Los Demonios de la mente (Demons of the Mind, 1972), la película que hoy nos ocupa, es un claro ejemplo de lo anteriormente escrito; dirigida por Peter Sykes y con guión de Frank Godwin y Christopher Wicking, Demonios de la Mente nos presenta bajo un prisma de maldición genética (vampirismo encubierto) una historia de locura con algún desliz incestuoso por en medio, que simplemente trata de poner en la sartén las siempre problemáticas relaciones entre padres e hijos, o sea una película de terror psicológico con algún componente gore todo ello envuelto en una atmosfera gótica y decadente.

"Demons of the Mind es un Hammer menor que sin embargo ofrece algunos momentos verdaderamente conseguidos"

A priori todos estos elementos podían encajar bastante bien, pero la película nunca acaba de arrancar con fuerza, lastrada por la labor de Peter Sykes, más acostumbrado a labores televisivas, y mermada por bastantes agujeros en la continuidad del argumento, por lo que la película deviene en una sucesión de secuencias más o menos hilvanadas que socavan irremediablemente la tensión y rollo malsano que se pretendía ofrecer; en medio de este maremagnum de ideas y realización hay breves y brillantes destellos que nos regalan imágenes perturbadoras unas, oníricas otras que compensan en cierta medida el desaguisado anterior, por lo que es natural el pensar que se desaprovecho una buena ocasión de ofrecer un mejor acabado cinematográfico.

En las labores interpretativas nos encontramos con Patrick Magee (el recordado y atormentado escritor de La Naranja Mecánica) que cumple con creces, un veterano (ya por esos años) Robert Hardy, Shane Briant un habitual en la última época de la Hammer, el front man de la banda Manfred Mann Paul Jones, la angelical pero perturbadoramente erótica Gillian Hills y un increíble (por lo desfasado de su personaje) Michael Horden; todos ellos, a su manera, cumplen pero sin llegar a ningún alarde interpretativo destacable.

En la parte técnica tenemos a Arthur Grant responsable de una soberbia fotografía que juega con los colores y contrastes con suma efectividad; a Harry Robertson que compone una BSO adecuadamente gótica y algo alucinada, y un diseño de producción a cargo de un todo terreno como Michael Stringer.

En definitiva, Demons of the Mind es un Hammer menor que sin embargo ofrece algunos momentos verdaderamente conseguidos, recomendada para fans totales de esta mítica productora.

Bueno amigos/as de El Terror Tiene Forma, hasta mañana. Saludos!!!!    

Ficha Técnica

Año: 1972 / Director: Peter Sykes / Productor: Michael Carreras, Frank Godwin / Guión: Frank Godwin, Christopher Wicking / Fotografía: Arthur Grant / Música: Harry Robertson / Diseño de Producción: Michael Stringer / Maquillaje: Trevor Crole-Rees, Maude Onslow / País: UK / Duración: 89m. / Formato: 35mm  / Proporción: 1.85: 1 / Color

Ficha Artística Robert Hardy, Shane Briant, Gillian Hills, Yvonne Mitchell, Patrick Magee, Paul Jones, Michael Hordern, Kenneth J. Warren, Robert Brown, Virginia Wetherell, Dierdre Costello, Barry Stanton, Sidonie Bond, Thomas Heathcote, John Atkinson, George Cormack, MAry Hignett, Sheila Raynor, Jan Adair, Jane Cardew.

MIEDO EN LA NOCHE, Terror Psicológico made in Hammer

Terror Psicológico

MIEDO EN LA NOCHE, Terror Psicológico made in Hammer

  5/23/2018

Miedo en la Noche es un buen film, que se mueve entre el terror psicológico y el thriller

Volvemos con Hammer Productions, concretamente con la película Miedo en la Noche (Fear in the night) dirigida en el año 1972 por el nunca suficientemente valorado Jimmy Sangster. El film es una buena muestra de la situación que por esos años sufría la mítica productora; lejos de sus años de mayor éxito y sumida en una crisis creativa y comercial, la Hammer intentaba, con mayor o menor acierto, buscar caminos poco transitados surgidos a rebufo del Psycho del amigo Hitchcock. En Miedo en la Noche se pretende conectar con los gustos del público de esos años, buscando un terror más real y cercano que se alejaba conscientemente de los monstruos clásicos y sus polvorientos castillos, para encontrar la angustia y el miedo a la vuelta de cada esquina; por ese motivo la película que hoy nos ocupa se inspira directamente en el terror psicológico y el thriller más imprevisible, para ofrecernos una obra de continuos giros argumentales mostrados con un tempo pausado, a menudo casi distante,que Sangster lleva con mano bastante firme.

El argumento, ideado por el propio director y Michael Syson, nos presenta a Peggy (Judy Geeson), una joven casada con Robert Heller (Ralph Bates), que sufre un misterioso ataque llevado a cabo por un hombre manco. Nadie cree en la versión de Peggy llegando incluso a decirle que todo está en su mente y son fruto de unas 'crisis nerviosas'. Robert decide trasladarse con su mujer a un apartado colegio en las afueras de Londres propiedad de Michael Carmichael (Peter Cushing). Una vez instalados en la propiedad, lo que tenía que ser un remanso de paz y tranquilidad para la joven, se convierte en una pesadilla de peligrosas consecuencias.

La producción resalta por varios motivos, por un lado el director abraza no pocos momentos oníricos o atmosféricos (incluidos algunos zooms y flashbacks particularmente molestos), dando una pátina irreal a todos los acontecimientos; esta irrealidad que transpira, empaña toda la obra y sus personajes, creando un excelente caldo de cultivo para conjugar secuencias bastante inquietantes, por otro lado los constantes cambios o giros argumentales son efectivos (a pesar de que vistos actualmente resulten previsibles) y siempre son de agradecer en este tipo de films. Otro punto a favor: los actores; con el siempre efectivo Peter Cushing a la cabeza, aunque su papel resulte un poco disperso, acompañando al maestro nos encontramos con un Ralph Bates muy convincente y metido en el papel, que juega desde el principio con la ambivalencia del personaje, acompañando a estos dos grandes actores tenemos a Joan Collins, que perfila un personaje maquiavélico que adelanta en unos años otras interpretaciones futuras de la actriz, las cuales le aseguraron un puesto de honor para los seguidores de la pequeña pantalla; como colofón, pero no menos importante, tenemos a Judy Geeson, esta actriz de rasgos dulces que ha lucido palmito en películas como Holocausto Radiactivo (Doomwatch, 1972), El Estrangulador de Rillington Place (10 Rillington Place, 1971), Una Vela para el Diablo (1973) de nuestro gran Eugenio Martín o recientemente en The Lords of Salem la nueva propuesta de Rob Zombie, asume en esta producción un rol protagonista sobre el cual gira toda la película. 

En la parte técnica nos encontramos con una soberbia fotografía de Arthur Grant, un veterano de la Hammer involucrado en cientos de proyectos con empaque y sabor a clásico, que en esta ocasión realiza un trabajo que encaja a las mil maravillas con las ideas visuales que tenía el director en su cabeza; la banda sonora corrió a cargo John McCabe, otro artesano de no muy largo recorrido pero de resultados bastante efectivos.

Estos son los parabienes de la producción, pero también hay algunos errores que lastran el desarrollo y resultado final, por ejemplo algunos de los diálogos entre Bates y Geeson que por extensos resultan intrascendentes, o algunas secuencias no demasiado hilvanadas que diluyen en cierta manera la atmósfera inquietante del film, por último conviene mencionar el personaje de Cushing, con un potencial bestial implícito, Sangster no sé por qué motivo no le da la importancia que merece, quedando un tanto diluido y obviamente restando potencial a todo el global de la película, una lástima.

En definitiva, Miedo en la Noche es un buen film, que se mueve entre el terror psicológico, el thriller y por momentos juega también con elementos sobrenaturales, que tiene un par de escenas brillantes y un desarrollo interesante, con lo cual deviene en un espectáculo que ofrece bastante más de lo que parece. Es obvio decir que la película no es perfecta, que tiene momentos que pierde fuelle y por consiguiente tensión y que es un producto totalmente de su tiempo, con lo bueno y malo que eso puede tener, pero si se tiene la capacidad de perdonar sus errores sigue siendo perfectamente disfrutable.

Un saludo amigos/as de El Terror Tiene Forma.

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FICHA TÉCNICA
Título: MIEDO EN LA NOCHE (1972 / UK / 94′ / Color)
Título V.O.: FEAR IN THE NIGHT aka DINASTY OF FEAR aka HONEYMOON OF…FEAR
Director: Jimmy Sangster
Productor: Jimmy Sangster
Guión: Jimmy Sangster / Michael Syson
Música: John McCabe
Fotografía: Arthur Grant
Edición: Peter Weatherley
Dirección Artística: Don Picton
Maquillaje: W.T. Partleton
FICHA ARTÍSTICA
Peter Cushing, Judy Geeson, Joan Collins, Ralph Bates, James Cossins, Gillian Lind, Brian Grellis, John Bown.

Citadel (2012)

Thriller

Citadel (2012)

  4/25/2018

Citadel, primer largometraje del director / guionista Ciaran Foy, deja en la gran mayoría de aficionados un buen sabor de boca, no es de extrañar, pues el film presume de varios elementos que no son muy habituales en el cine de género actual. 

Pero vayamos por partes, primero una breve sinopsis para entrar en materia: Joanne es una mujer embarazada que sufre un brutal ataque por parte de unos extraños niños enfundados en sudaderas con capucha (o algo parecido) que les ensombrecen los rasgos. Tommy, marido de la chica, ve impotente (está encerrado en el ascensor) el ataque, cuando consigue salir lleva a la chica al hospital. Los doctores que la atienden consiguen salvar al bebe, pero Joanne queda en coma y fallece unas semanas después. Tommy queda muy afectado y trastornado por los acontecimientos, desarrollando una serie de fobias y miedos devastadoras para su día a día, además siente que está continuamente amenazado por los niños. Agobiado por los hechos comienza a investigar, ayudado por un cura, y pronto se encontrara de bruces con una comunidad aterradora.

Citadel es un film poderoso, que no perfecto, donde el miedo y sus abrumadoras consecuencias, tanto físicas como psíquicas, se erigen en el auténtico leit motiv del metraje. El miedo paraliza y obsesiona, y si como se nos presenta en la película proviene de una fuente tan real como un ataque, aparentemente sin sentido, pero de consecuencias devastadoras, se convierte en algo aterrador y tangible, algo que te envuelve y te asfixia reduciéndote a la mínima expresión. Sin lugar a dudas éste es el gran acierto de la película, su director maneja diferentes recursos y elementos para ofrecernos una pesadilla de tintes urbanos, que explota precisamente eso, la inseguridad urbana que tantas personas han sufrido en sus propias carnes; abrigado por un buen guión y un gran protagonista principal que sabe transmitir una gran variedad de sensaciones y registros,

Ciaran Foy crea una atmósfera perturbadora e inquietante, donde poco a poco se van introduciendo pequeños elementos de carácter sobrenatural que expanden la historia inicial y la conducen directamente a una pesadilla de tintes sobrecogedores por lo que insinúa. Pero estos elementos sobrenaturales, el origen de los niños y por extensión de la comunidad que han creado, son pequeños apuntes dentro del verdadero argumento que no es otro que el aislamiento y la incapacidad de escapar del asfixiante y opresivo entorno. Otro acierto del realizador es apostar claramente por la creación de tensión / angustia sin enseñar, casi en ningún momento, lo que causa esas sensaciones, las apariciones de los niños son en penumbra, o fuera de plano, o meras sombras que se deslizan alrededor del protagonista, creando situaciones amenazantes y extremadamente creíbles.

He mencionado anteriormente que el film no es perfecto, es verdad, al ser una ‘ópera prima’ el director no consigue ensamblar todas las piezas de manera afortunada, su constante búsqueda del sugerir antes que el mostrar ralentiza el ritmo del film, que adolece de una voraz expresividad que condimente un poco las largas secuencias de acoso. Paralelamente la concienzuda estructura creada para el protagonista principal se diluye en los personajes secundarios, llegando por momentos a resultar estereotipada y confusa, tanto en sus motivaciones como en la manera de resolver la parte final del film, que resulta demasiado facilona y previsible si tenemos en cuenta lo visto hasta ese momento.

No obstante Citadel es una buena película, que propone de manera interesante un distanciamiento necesario con otros film de género, un camino que recupera en parte ese estilo tan británico (sobre todo en los sesenta y setenta) de enmascarar lo sobrenatural con grandes dosis de realidad, en un ejercicio que deviene en un juego entre el creador y el espectador que siempre resulta estimulante en su resultado final. Recomendada para todos aquellos que busquen algo más que tripas y sangre en el cine de terror, pues aquí se apuesta más por un desarrollo lento donde la atmósfera y la tensión priman por encima de cualquier otra consideración.

Saludos amigos/as de El Terror Tiene Forma. 

FICHA TÉCNICA
Título: CITADEL ( 2012 / UK-IRLANDA / 84′ / Color)
Fecha de Estreno: 11/03/2012 (USA)
Director: Ciarán Foy
Segunda Unidad: Simon Maloney / Graham Drover / Nicola Long / Christian Otty / Derek Ritchie / Fay Selby / Kath Wishart
Productor: Brian Coffey / Katie Holly
Guión: Ciarán Foy
Edición: Tony Kearns / Jake Roberts
Fotografía: Tim Fleming
Dirección Artística: Andy Thomson
Diseño de Producción: Tom Sayer
Música: tomandandy
Maquillaje: Anita Anderson / Elle Baird / Fiona Clarke / Stuart Conran / Robbie Drake / PAul Hyett / Linda Mooney
FICHA ARTÍSTICA
Aneurin Barnard, James Cosmo, Wunmi Mosaku, Jake Wilson, Amy Shiels, Ian Hanmore, Ingrid Craigie, Chris Hegarty, Arlowe Saunders, Alexander McIntyre, Elizabeth Brady, Pete Murphy, Sandra McFadden, Scott McKenzie, Matthew Workman, Sarah Haworth, Ronnie Johnson, Christopher Warbrick, Harry Saunders, Agnes Grout, James Ramsay, Charlie Graham, Connor McGroary, Keith Hutcheson, Grant Morrison.

La Angustia del Miedo / Angst (1983)

Terror Psicológico

La Angustia del Miedo / Angst (1983)

  3/04/2018

Tres años antes de que Henry, Retrato de un Asesino (1986) de John McNaughton dejara conmocionado a medio planeta, una extraña película de origen austríaco con un presupuesto bastante limitado, desarrollaba su particular, retorcida y malsana visión de las correrías de un asesino en serie. Ambas películas comparten algunas puntos en común, por ejemplo el ambiente opresivo y una puesta en escena descarnada y sucia, pero donde el film de McNaughton tiene un acabado más, se puede decir, cinematográfico, Angst (que así se titula la protagonista de hoy) prefiere recorrer los caminos de la experimentación en un ejercicio áspero como papel de lija, donde se narra sin ningún tipo de excusa, disculpa o distracción los actos de un hombre destrozado mentalmente. El guión es conciso:  

Un asesino que ha pasado los diez últimos años de su vida encerrado en la cárcel es puesto en libertad. Una vez libre vuelve a sentir ganas de matar y pretende llevar a cabo una serie de asesinatos. 

Como podéis ver el argumento está completamente desnudo ante el mundo, eso es lo que se ve en la película, un recorrido por las primeras horas de libertad de un asesino, una exploración de su desquiciada mente y unos cruentos asesinatos, que resaltan más por su tono macabro / malsano que por el exceso de gore o sangre salpicada.

La Angustia del Miedo (así titulada en nuestro país de manera un tanto tramposa) es fascinante, fascina la técnica de su director Gerald Kargl (desparecido en combate desde el estreno del film) para absorber al espectador dentro de una pesadilla de tintes surrealistas en su fondo que no en su forma; la cámara sigue al protagonista de manera contemplativa pero muy inquieta (rara vez está fijada en un plano) para, de esta manera, recorrer unos escenarios vacíos que no esconden nada y que no distraen del objetivo marcado por el director, que no es otro que exponer con frialdad el desarrollo de los acontecimientos y el dramatismo que se desprende de los mismos. Otro aspecto notorio de la obra es la decisión de prescindir completamente de los diálogos, con la ayuda de la voz en off del mismo asesino, recorremos los recovecos de su mente, exploramos sus delirios y asistimos al stress que le provocan sus actos, llegando a alcanzar un nivel de paroxismo y paranoia realmente espinosos que elevan el listón de calidad (o de poso de sensaciones) a gran altura. Uno de los grandes logros del film es la representación de la muerte, alejándose conscientemente de la imagen tan irreal y 'limpia' que, normalmente, se da en el cine a este tema, los asesinatos mostrados en Angst son sucios, malolientes, desagradables, logran transmitir una sensación de incómoda realidad; la muerte y la sangre huelen, no huelen bien, y el film y su director se encargan de recordárnoslo.  

No podemos dejar de mencionar la soberbia actuación de Erwin Leder que recrea a la perfección la personalidad del asesino; la rabia en estado puro, la paranoia, la crueldad, todo tiene su reflejo en la actuación de Leder, su rostro y movimientos corporales destilan desesperación, angustia (de ahí el título original) y sobretodo odio, un odio enfermizo que dota al asesino de una entidad terrorífica y a la vez muy cercana.

La Angustia del Miedo no es una película redonda, la banda sonora electrónica a cargo de Klaus Schulze puede provocar migrañas a cualquiera que no sea fan de estos sonidos; algunos rasgos de humor negro que aderezan el metraje son innecesarios aunque, si hay que ser sinceros, lógicos en el contexto del film y por último el abuso de planos 'locos' y travellings interminables pueden molestar en determinados momentos.

No obstante, yo creo que es una película digna y aprovechable, que partiendo de un tono descarnado y frío, propone una experiencia única en el género; puede gustar o no, lo que es indudable es que no desentona para nada colocada entre Deranged y Henry e incluso puede suponer un necesario puente entre ambas. Un último apunte, la película se basa en un asesino real como la vida misma.

En nuestro país ha sido editada por 39 Escalones, en versión íntegra y como extras se han incluido dos cortometrajes y el tráiler.  

Bueno amigos/as de El Terror Tiene Forma, saludos y hasta mañana.            

Ficha Técnica

Año: 1983 / Director: Gerald Kargl / Productor: Gerald Kargl, Josef Reitinger-Laska / Guión: Gerald Kargl, Zbigniew Rybczynski / Fotografía: Zbigniew Rybczynski / Música: Klaus Schulze / Edición: Zbigniew Rybczynski / País: Austria / Duración: 83m. (DVD versión) / Formato: 35mm  / Proporción: 1.66: 1 / Color

Ficha Artística

Erwin Leder, Robert-Hunger-Bühler, Silvia Rabenreither, Karin Springer, Edith Rosset, Josefine Lakatha, Rudolf Götz, Renate Kastelik, Hermann Groissenberger, Claudia Schinko, Beate Jurkowitsch, Rosa Schandl, Rolf Bock, Emil Polaczek

EL ABISMO DEL MIEDO / NIGHTMARE (1964)

Terror Psicológico

EL ABISMO DEL MIEDO / NIGHTMARE (1964)

  12/02/2017

Surgida de la mente de Jimmy Sangster (1927-2011) y llevada a la pantalla por Freddie Francis (1917-2007), El abismo del miedo (Nightmare, 1964) es una película producida por la Hammer, enclavada dentro del denominado Terror Psicológico. A raíz del éxito de Psycho (1960), surgieron no pocas películas que seguían las constantes marcadas en esa producción. Films como El alucinante mundo de los Ashby (Paranoiac, 1963), Hysteria (1965), ambas de Freddie Francis o El sabor del miedo (Taste of fear, 1961) de Seth Holt, marcaron un antes y un después dentro de la mítica productora y, por extensión, dentro del cine facturado en las islas. A pesar de ser consideradas por muchos aficionados como meros productos alimenticios que explotaban la fama de la película de Hitchcock, lo cierto es que éstas tenían un alma propia muy marcada que,  dentro de las limitaciones presupuestarias y de un concepto más clásico y formal, ofrecían buenos momentos de terror y en algunos casos, como la película que hoy nos ocupa, productos verdaderamente interesantes y muy aprovechables.

Nada mejor que un pequeño esbozo del argumento para ponernos en marcha: Janet (Jennie Linden) es una joven que está internada en un colegio privado para chicas con problemas de conducta. Janet tiene horrorosas pesadillas nocturnas, que giran alrededor de su madre (ingresada en un asilo psiquiátrico por haber asesinado a su marido). Debido a estas pesadillas el centro decide devolver a la chica a su hogar. Una vez en la casa y a pesar de que en un principio parece que nota cierta mejoría, las pesadillas no hacen más que recrudecerse, a la par que la estabilidad mental de Janet se desmorona. Esta situación desemboca en una violenta crisis que acaba en un asesinato y la chica es ingresada en un sanatorio mental.

Efectiva y muy entretenida, El abismo del miedo navega entre dos aguas o géneros, ambos muy bien representados, por un lado tenemos el tema sobrenatural que Freddie Francis se preocupa en mantener durante buena parte del metraje, la labor en este sentido es impresionante, creando una atmósfera de peligro constante que ayuda a no perder el interés por lo que estamos viendo; por otro lado cuando el elemento sobrenatural está agotado, debido a ciertos giros del guión que diluyen esta sensación, Francis se dedica a jugar con los personajes y las situaciones, creando una trama en la cual el suspense va “in crescendo”, hasta desembocar en un final más efectivo que efectista, que, sin embargo, no quita ni un ápice de interés a la película y no provoca ninguna desilusión en el espectador. La conjunción de estos dos elementos es, sin duda, el motor principal durante todo el metraje, creando una perfecta simbiosis entre el guión y su plasmación en celuloide, que amparándose en una brillante y perfecta fotografía en blanco y negro, a cargo de John Wilcox, pero sospecho que Francis también se implicó en el asunto, crea un aura irreal y fantasmagórica en la cual la realidad se ve constantemente distorsionada, que aumenta considerablemente el poder visual y narrativo del film.

El tratamiento dado a los protagonistas es correcto y muy ajustado, siendo curiosa la gran simpatía que provoca Janet en el espectador, su aislamiento social y por consiguiente su cada vez más cerrado mundo interior (destrozado, alucinado) está muy bien marcado, con un tempo narrativo que disecciona el entorno opresivo que envuelve a la protagonista, y lo convierte en una parte más de la historia. Pero no sólo la protagonista tiene un desarrollo y un tratamiento psicológico relevante, el resto de papeles, cada uno en su justa medida, es un compendio de pequeños detalles que conforman personalidades únicas, que sirven para llevar la historia en volandas hasta su sorpresivo final.

Jimmy Sangster demuestra, con un libreto sorprendente, la versatilidad que le haría famoso, el guión toca diferentes elementos, pero sin incidir ni ser excesivamente pesado con ninguno de ellos, es, pues, un texto ágil con suficientes aristas para lograr que la intriga no decaiga en ningún momento; como en casi cualquier película de terror psicológico, hay momentos o secuencias un tanto intrascendentes o previsibles, pero el global es, en este caso, de notable alto y, quizás, uno de los más redondos de este artesano, nunca suficientemente valorado. 

También es justo recordar la escena inicial de la película, una perfecta y escalofriante pesadilla, filmada con esmero, que anticipa todas las virtudes que atesora esta pequeña obra maestra, pocas veces la Hammer tuvo un inicio tan, pero tan, poderoso.

Poco más voy a añadir, totalmente recomendada para todos los fans de la Hammer y del suspense, una joya verdaderamente brillante, que necesita ser reivindicada, pues no es justo el desconocimiento que sobre ella pesa.             

Bueno amigos/as de El Terror Tiene Forma hasta la próxima. Saludos. 

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FICHA TÉCNICA

Título: EL ABISMO EL MIEDO (1964 / UK / 83' / Blanco y Negro)

Título V.O.: NIGHTMARE

Director: Freddie Francis

Productor: Jimmy Sangster        

Guión: Jimmy Sangster

Música: Don Banks         

Fotografía: John Wilcox

Dirección Artística: Don Mingaye  

Maquillaje: Roy Ashton / Frieda Steiger

FX: Les Bowie

      

FICHA ARTÍSTICA

Jennie Linden, David Knight, Moira Redmond, Brenda Bruce, Clytie Jessop, George A. Cooper, Irene Richmond, John Welsh, Timothy Bateson, Elizabeth Dear. Sin acreditar: Isla Cameron, Julie Samuel, Hedger Wallace.